PRÁCTICA Nº3. ANÁLISIS DEL MOVIMIENTO VANGUADISTA: EL CUBISMO

PRÁCTICA Nº3. ANÁLISIS DEL MOVIMIENTO VANGUADISTA: EL CUBISMO

El término cubismo fue acuñado por el crítico de arte francés Louis Vauxcelles, quien interpretó así a la utilización de cubos en el arte de Pablo Picasso y Georges Braque, en cierta medida de una forma peyorativa.
El Cubismo, es la teoría estética aplicable a las artes plásticas que se caracteriza por el empleo y el dominio sobre otros conceptos de figuras geométricas como pueden ser los rectángulos, los triángulos y los Cubos de donde toma su nombre el movimiento Cubista.

“L’Écho d’Athènes” (1908) de G.Braque

El Cubismo es un movimiento artístico que tuvo lugar entre 1907 y 1914, teniendo como principales fundadores a Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Ellos son los máximos exponentes de esta corriente, que revolucionó las bases de la pintura y de todas las artes. Plantean una visión crítica y transgresora que cuestiona incluso los fundamentos de la creación artística.Estos grupos de vanguardia buscan un arte puro, sin condicionamientos ni determinaciones previas y a su vez asumen un fuerte compromiso social y político.


Existen tres etapas en el cubismo:
Cubismo primitivo o Período Cézannesco (1907-1909): representado por las señoritas de avignon.(Pablo Picasso).
Cubismo analítico (1910-1912): presenta una descomposición de objetos simples en colores ocre, verde oscuro y gris.
Cubismo sintético (1913- 1914): emplea signos plásticos que se comparan con metáforas poéticas en el aspecto pictórico tiene mucha relación con el cubismo primitivo. Se caracteriza por la ruptura de todo procedimiento imitativo.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son vanguardistas. Por lo general el Cubismo aborda escasos temas de la pintura paisajística y se centraron primordialmente en las naturalezas muertas, los instrumentos musicales, bodegones, retratos y con Picasso la derivación y descomposición de los planos de la figura humana.Los autores de esta corriente son austeros con el color; utilizan colores neutros, grises, marrones.
El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva y da pie al resto de las vanguardias europeas de este siglo. El Cubismo deforma los objetos, los fenómenos, los descuartiza y luego los vuelve a armar, como un rompecabezas que no reconstruye la cosa original. El objeto todavía está, pero no está como en la Familia de Jordaens o en Las meninas de Velázquez: tenemos que reconstruirlo. Se renuncia a la perspectiva tradicional, a los colores reales, a ver las figuras desde el punto de vista único. Temas menos importantes que el tratamiento. Buscan figuras cotidianas: tren, automóvil. Se exalta el plano, se rescatan escenas interiores. Pintura figurativa que "destroza" las formas. Se crea al gusto del pintor, se rompe con los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas.
El cuadro que inicia el Cubismo es Las señoritas de Avignon (1907). Que no son de la ciudad de Avignon, sino de un prostíbulo que se llamaba así y al cual iban Picasso (1881-1973) y todos sus amigos. Las figuras femeninas representadas en este lienzo están singularmente tratadas. Son formas planas, cuyas siluetas aparecen como fracturadas, y los trazos que las delimitan son siempre rectilíneos y angulares. Al mismo tiempo se acomete el intento de representar, al mismo tiempo, un rostro humano de frente y de perfil.



“Las Señoritas de Avignon” (1907) de Pablo Picasso

Se ha situado el origen de este movimiento en dos fuentes muy distintas: de una parte, el impacto que causó en círculos artísticos de París la escultura primitiva africana - y, en opinión de muchos críticos" la ibérica", de otra, la influencia del pintor francés Paul Cezanne y su tendencia a reducir los volúmenes de los objetos reales a elementos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera.
Hay que añadir a estos antecedentes la reacción contra el fauvismo, tendencia pictórica en la que el estallido del color era uno de los aspectos más sobresalientes.

Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases importantes que a continuación analizaremos: el cubismo analítico y el cubismo sintético. Cubismo analítico: hace irreconocibles a las figuras. Braque, "el portugués", superpone planos geométricos, colores oscuros. Cubismo sintético: planos más amplios, representa al objeto, con imágenes únicas. "De un cilindro hago una botella", decía el pintor español Juan Gris. Después se hacen cuadros con recortes periodísticos (collages).


“Guitarra y mandolina” (1919) de Juan Gris


El período analítico transcurrió entre 1910 y 1912. Los lienzos de esta época se caracterizaron por el análisis de la realidad y la descomposición en planos del los distintos volúmenes de un objeto para que la mente captase su totalidad. Desde el principio se pretendía un arte más conceptual que realista. Predominaban los ángulos y las líneas rectas y la iluminación no era real, ya que la luz procedía de distintos puntos. Las gamas de colores se simplificaron notablemente, en una radical tendencia al mono-cromatismo: castaños, grises, cremas, verdes y azules. Con todo ello se intentaba combinar la tri-dimensionalidad del mundo real con la bi-dimensionalidad de la obra artística.En una primera etapa de la fase analítica, todas estas formas aparecieron generalmente compactas y densas, para irse haciendo cada vez mas amplias y fluidas hasta difuminarse en los bordes del lienzo. Los elementos preferidos fueron instrumentos musicales -en especial la guitarra -, botellas, pipas, vasos y periódicos, aunque nunca se excluyó la figura humana. Entre las obras más destacadas de estos momentos cabe señalar "Muchacha con mandolína" de Picasso y "Hombre con guitarra" de Braque.

“Muchacha con mandolina” de Pablao Picasso

La fase sintética trajo consigo la reconsideración de algunos de los modos expresivos de la anterior. El color volvió ahora a tener mayor protagonismo. Las superficies, aunque seguían apareciendo siempre fragmentadas, eran más amplias y decorativas. La novedad más singular fue, sin duda, el uso de materiales no pictóricos. Esta técnica, conocida como collage, incorporó al lienzo elementos cotidianos como cajetillas de cigarrillos, páginas de periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, incluso arena. Con la utilización de estos inusitados materiales en el lienzo, el cubismo, a la vez que aprovechó las diferencias de textura y de naturaleza de sus componentes, planteó, desde un ángulo original, la cuestión, siempre inquietante, de qué era realidad y qué ilusión. En este estilo cubista Braque realizó sus famosos papiers collés (Collages) y Picasso obras como el maravilloso cuadro: "El jugador de cartas" o "Naturaleza muerta en verde".
El Cubismo tuvo como centro neurálgico la Ciudad de París. Como elementos precursores del cubismo debemos destacar la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907).

Pablo Picasso y George Braque establecieron estrechas relaciones artísticas en el año 1907 el mismo año en el que el marchante de Arte Kahnweiler abrió en París la Galería de Arte que serviría como santuario al grupo de pintores Cubistas. en 1908 el ya afamado grupo "Bateau Lavoir" (nombre derivado del estudio y vivienda donde residían Picasso, Gris y el escritor Max Jacob) inició las reuniones en las que participaron todos los llamados "Dirigentes del Cubismo" incluidos los pintores Henri Matisse y André Derain junto con Gertrude Stein y Guillaume Apollinaire poeta y publicista del efervescente movimiento cubista.

Braque aportó una importante severidad en las formas y consiguió sujetar entre sus lienzos el color y las formas que provenían de la corriente postimpresionista, mientras que su compañero Picasso realizaba grandes trabajos en los dibujos que consiguió adaptar en su pintura bidimensional.

“Autorretrato cubista” (1923) de Dalí

La problemática principal del cubismo en sus principios y por ende en su desarrollo ha consistido en poder representar el volumen de los colores sobre las superficies planas. Bajo la base de la cristalización geométrica de las pinturas de Cézanne tanto Braque como Picasso realizaron sus trabajos de definición bajo la perspectiva de poder mantener las propiedades de los objetos representados y la estabilidad en los espacios cerrados, sin lugar a la perspectiva clásica o a las modificaciones de los volúmenes derivados de la luz o el encuadre de las obras.
El cubismo presenta los objetos tal y como son concebidos por la mente y como existen, no como son vistos.

“Torre Eiffel” (1911) de Delaunay

El cubismo tuvo una gran influencia por las teorías relativistas de Albert Einstein, el cual, estableció que es imposible determinar un movimiento. Un objeto puede parecer estar quieto o moviéndose según la perspectiva desde la cual se considera. Representa los objetos seleccionados en cubos como si fueran cristales. Describe una naturaleza muerta por medio de una monocromía definida por claro-obscuros y sombras. No se recurre a las perspectivas.


Alumna: Terpsícore López Prada
Asignatura: Estética de la comunicación
4º Publicidad y RR.PP

Práctica 2. Comentario del texto "Transestética"

En este texto Baudrillard nos explica cómo ha evolucionado el arte para convertirse en lo que actualmente calificamos como tal. Asimismo nos describe cómo actualmente casi cualquiera puede ser creativo y artista y todo puede convertirse en arte desde lo más “feo” y cotidiano como un báter (Duchamp).
En estos tiempos el arte está muy ligado a la moda, las tendencias, el estilo de vida moderno; que implica que la gente se cansa enseguida y por ello también encontramos muchas y distintas corrientes artísticas conviviendo en un mismo plano. Se busca algo nuevo pero con la globalización ya todo está visto y casi todo el mundo ha vajado y conoce diferentes culturas, también gracias a los medios de comunicación.
Hace siglos o incluso décadas los artistas necesitaban expresar su protesta social, sus valores patrióticos, su sentimiento y sufrimiento por los malos tiempos, las guerras (Guernika de Picasso) o dar a conocer el resto del mundo otras culturas que aprendían de viajes (las tahitianas de Gauguin).
Es cierto que actulmente no hay una regla fundamental en que se base el arte, porque tampoco hay una sola corriente basada en unos parámetros fijos ni dos o tres maestros que todo el mundo venere como la época de Golla o Velázquez. Sino que coexisten muchos y diversos artistas modernos de diferentes estilos, todo son variaciones sobre formas anteriores porque nada consigue superarse tanto como para destacar por sí solo como inédito.
De todos modos no pienso para nada que esto sea negativo, sino que es lo que tenía que pasar en este momento en el que vivimos en una sociedad de mezcla de diversas culturas y estilos. Además ahora el arte es más libre no tiene que ajustarse a nada ni pedir permiso a ningún cánon de la sociedad. De esta manera también los artistas emergentes tienen más dónde elegir y en que inspirarse. Aunque lo negativo es que el arte moderno no tiene ya el mismo valor porque no dura ni se consagra como antiguamente.
Actualmente el arte ya no representa la sociedad, en tal caso la critica o la caricaturiza o la transforma en ironía.



En mi opinión la situación actual no es muy distinta cualitativamente de cómo la describía Baudrillard, en tal caso un poco más exagerado porque ha evolucionado más, se ha estatizado más y tiene más metástasis, desorden, diversidad.
El punto de vista de Baudrillard es progresista y conservador a la vez. Es progresista porque entiende el arte moderno pero es conservador porque piensa que antiguamente el arte tenía más valor y no “cualquier cosa” se consideraba arte.
Entiende el arte como algo supremo, no cualquiera puede entenderlo y lograrlo y cree que tiene que evolucionar porque hoy por hoy el arte se extiende a todo. Cree que si la gente no sabe valorar y admirar el arte es porque no lo entiende, no se interesa ni se documenta lo suficiente. Además dice que la utopía del arte hoy se ha realizado.

Práctica nº1 Imágenes autorreferenciales

Pocos artistas son tan conocidos como Michelangelo Buonarroti (Miguel Ángel) el genial escultor, pintor y arquitecto creador de (entre otras muchas impresionantes obras) la decoración de la Capilla Sixtina.
Adidas aprovechando el tirón del Mundial de 2006 quiso emular al genio creando unos "frescos" en la estación de tren alemana de Colonia. En ellos se pueden ver cual dioses del olimpo a Michael Ballack (capitán de la selección alemana), David Beckham, Zinédine Zidane, Raúl, Kaka, Nakamura, Lukas Podolski, Lionel Messi, Juan Román Riquelme y Djibril Cissé.
La obra, de 40m x 20m (800metros cuadrados) aproximadamente, la realizó el ilustrador aleman Felix Reidenbach y le llevó 40 días completarla.
Adidas ideó una publicidad inusual. Tirando de todo el misticismo que rodea a los jugadores de fútbol, las selecciones nacionales y toda la parafernalia futbolística.
El fresco recuerda a la Capilla Sixtina, y es que parece una especie de Capilla Sixtina del mundo de hoy, con nuestros santos y dioses particulares.
La idea fue puesta en marcha por TBWA Alemania en colaboración con Carat Media Services y la empresa de publicidad en estaciones Deutschen Eisenbahn-Reklame.

La Capilla Sixtina es uno de los más famosos tesoros artísticos de la Ciudad del Vaticano, construida entre el 1471 y el 1484, en la época del papa Sixto IV, de donde procede el nombre por el que es conocida. Su arquitecto fue Giovanni d'Dolci.
Su decoración pictórica al fresco (Renacimiento italiano) se inició recién terminada y en ella participaron Michelangelo Buonarroti (Miguel Ángel), Sandro Botticelli, Luca Signorelli, Perugino, Pinturicchio y Ghirlandaio entre otros. Casi cada fresco está relacionado con el que está enfrente, es por eso que se reflejaron los frescos enfrentadas y no contiguos. Debían representar la vida de Moisés (Antiguo Testamento) de una parte, y la vida de Cristo (Nuevo Testamento), de la otra, según el uso de todas las antiguas iglesias.
La bóveda, parte central del techo es llana; los arcos son trabajo de perspectiva. Miguel Angel ideó un cuadro arquitectónico para colocar mejor los asuntos principales representados en nueve escenas rectangulares: Separación de la luz de la oscuridad. Creación del Sol y de la Luna. Creación de los árboles y de las plantas. Creación del Hombre, que yace en el suelo, el Creador está a punto de tocarlo con un dedo para darle vida. Creación de Eva. Caída del Hombre, el que es expulsado del Paraíso. En el centro se ve el árbol de la Ciencia con una serpiente enroscada, que tiene cabeza de mujer, inclinada hacia la pareja que está tomando el fruto prohibido. El Sacrificio de Noé. El Diluvio. La Embriaguez de Noé.
La pared sobre el altar mayor, con una superficie de 13,7 m por 12,2, la ocupa el Juicio Final (Miguel Ángel) comenzado en el año 1535 y finalizado en 1541.
Arriba, mirando hacia la izquierda está Cristo, juez implacable, con la mano derecha alzada, en actitud de condenar. La virgen, aparece a su lado resignada.Los demás personajes son los profetas, los apóstoles, los mártires. A la derecha del Mesías están los electos, a la izquierda los condenados.
Abajo, a la izquierda, la escena de la resurrección de los muertos: De los sepulcros salen los muertos para volver a encontrarse en el valle de Josafat. Y mientras los buenos suben al cielo, los malos son arrojados a los abismos, donde los esperan Caronte con la barca y Minos, el juez infernal.